Jessie J《Ain‘t nobody》 KZ《Rolling in the deep》
八零年代怀旧女神唱过了《绿叶对根的情意》《月亮代表我的心》《让世界充满爱》，这次选择了一首唤起大家儿时记忆的《冬天里的一把火》。
自然，作为八零后，迪斯科情怀还是有的，可是，如果在一台2018年的电视音乐秀上，看见这么一个并没有超越原唱水平的表演，光那点稀薄的情怀也就不够用了。不用说那些high翻全场的经典版本，就连Chaka Khan奶奶六十多岁时的现场秀，那结实有力的soulful高音，都听着也不输Jessie的版本。
Jessie版本最明显的改动，也就是钢琴伴奏下的慢板Intro，中间基本就funky disco按部就班了。虽然她似乎很卖力，但煽动力并没有达到我预期的水平。
我搞不明白的是，这样的歌，为啥芒果台不帮结石姐找几个伴舞（又或者她只想靠自己Vocal撑起？），这样她也不用寂寞的每次都去找达日丹了。
That’s too easy for Jessie.
这样的结石，在这样一场集体爆发的比赛里，我是不会选进前三的。
但这次KZ确实让我耳目一新。
我也看过她之前电台版的rolling in the deep，只是感觉是个节奏动感型的选手，有着有质感的音色，但是音域和声音厚度都并非顶尖。
她是如何在Jessie J、华晨宇面前，天降奇兵般将第一抄入怀中的？
精心的设计！
一开场的电音声效先声夺人。
我是没有想到滚深深居然是可以这样开始的！
而且居然还是个千回百转、悲从中来的电音：谭小姐唱到Inside you hands的时候，语气、表情一刹那冲击力惊人，暗示了她唱芭拉的巨大潜能。
然后Funk，摇滚，菲语说唱齐上阵，她自身唱腔还始终带着一股子雷鬼的气质，一通乱拳，简直一步一景，句句奇葩，看得人嘴巴合不起来。最后用金属摇滚和和声的烘托达到高潮。
这版滚深深比原版降了两key，而且最高不过唱到C5，相比Adele张口就振聋发聩的结实共鸣，这个版本在人声质量上其实是远不如的，但现场冲击力如此之强，给人的愉悦和惊喜如此之多，在那么多翻唱版本中独树一帜，充分说明KZ的功力。这首歌包含的音乐元素多到目不暇接，却一点不混乱，它的高潮不是靠乐器、高音堆砌出来的、也并非多种曲风简单的拼贴，而是不同环节精心设计的起承转合，不停的营造器乐纵深的变化，产生了一进叠一进的层次感，在KZ出色的律动感中整合到了一起；即便是多处乐句旋律的修改，也不是耍宝，无不是精心设计。因而，这就超越了“翻唱”的框架，而形成了一个完整的、丰满的、自我成立的作品。
然而，作为选秀出身的KZ，并不因为外来的和尚，在歌手的舞台上就更好念经。她同样面临着缺少自己的作品、缺少人生和音乐积淀的问题，高开低走的可能性依然是很大的。
而反观结石姐，信手唱唱老歌，就能靠过人的本钱以及情怀站稳前三，只要她想，后劲实在恐怖。

张韶涵《来过我生命的你》 苏诗丁《舍离断》
这两首同样引入民乐伴奏和戏曲元素的中国风的歌曲，都有亮点，然而都有着致命的硬伤。
张韶涵，作为一个《歌手》的资深观众，她非常懂这个节目需要什么。在曲风变化多端、点子层出不穷这件事上，张韶涵是最花心思的。
这次，她带来了中国风。还是加了rap的中国风。
她还唱得真不赖。
且放下玩票性质的京剧念白发音的跑偏，也不说明显喉腔鼻腔共鸣不够充分的假声高音。且看习惯于混声演唱的张韶涵，在第一段用流行的唱法切入，第二段无缝切到似是而非的戏曲唱腔，一点明显的位置变化都没有感觉到；到rap过后，第二遍主歌就听得更加明显，在中低音的部分，张韶涵自如的使用了惯常的发声方式，只稍稍鼻子使一点劲，又自如的进入“伪戏腔”，毫无断裂感，统一性极佳，这简直是可以算开创了一门新唱法，让人惊呼神技了！
于是当这样的惊喜加上戈锐的rap、以及一人分饰两角的精心设计，这首歌曲就如同一唱三咏、袅袅不绝，就问你丰富不丰富？牛x不牛x？
可是，我想说的是，虽然想法非常不错，在演唱执行上也可圈可点，但这首歌从头至尾都spoiled
by bad tastes！
没有对比就没有伤害。这首歌，抛开执行层面，不论在词曲质量上，编排设计上，都完全被后面苏诗丁那首《舍断离》秒杀。
首先看歌词，上一期我曾经吐槽过《齐天》的歌词，可是一比这首《来过我生命的你》，简直就是佳作了。这段严艺丹的敷衍之作，其中二莫名、胡乱堆砌的程度，简直可以和上一季那首网游歌曲《御龙铭千古》交相辉映。
英雄赤胆一腔热血洒不尽
万里江山儿时戏耍街巷
来过我生命的你 叫我如何送行
愿陪你同上断肠崖 不愧天下
好嘛，连个韵都懒得押了。
看看人家《舍离断》的词：
长夜晚 光阴慢
都说恩怨两难断
心难安 扰纷乱
有几人能不纠缠
不羡青山不思凡
笑我打水用竹篮
无奈本性自由惯
只等花遍满山
待眉头舒展
经过痴嗔贪
换得舍离断
舍去什么得自然
出离什么可心安
什么又可以斩断
释然
古意盎然，又毫不堆砌，把意思表达得清清楚楚。
而《来过我生命的你》这里，中国风沦为了用力过猛的制服诱惑，而非与歌曲、情感融合在一起的表达方式。当然，副歌这段的旋律和编配，也是一股子网游的气味，不多说了。
然后就是莫名其妙的rap。老熟人戈锐。我个人一直认为太工整的文字不适合说唱，说唱应该用通俗的有力的语言。且不吐槽他念了半天都不知道在表达啥了，最后，他匆匆忙忙的，居然鞠躬下场？不但和rapper的气质不合，也根本与这首歌里男儿本自重横行的气质也不合啊！
最后，对我的致命一击就是，如果歌曲结束在第二次念白，则韵味刚刚好，我或许也会原谅歌曲前面种种不如意之处，会选择性的忽略质量粗糙的副歌。但！居然音乐又起了！还要唱一遍副歌！还要加强这网游歌曲的印象！一口老血。
对比《舍离断》结束，丁轶念出“都说恩怨两难～”，苏诗丁轻轻的接过一声“断”，沁人心脾，实在是把这首歌的分数拉回来不少。
那么这首《舍离断》就很优秀吗？
也不然，苏诗丁的理解和演绎，都很有问题。
苏诗丁对这首歌的理解，显然终点在“释然”两个字上，有一种斩断过去、获得新生的重生感。听这歌的时候，我总觉得和原曲潇洒达观的精神状态并不契合，再去找原唱，赫然歌词这里写的是：“自观”
什么又可以斩断？自观。
这一问一答，形成了本来无一物的彻悟。于是才能真正勘破舍离断，正如一切有为法，如梦幻泡影，如露亦如电，于是才能真正得到大自在。
再细看歌词，发现还不止改了这一处。不管是出于某些莫须有的限制，还是自己为了表达需要的改编，
不坐仙山不坐禅
改成了
不羡青山不思凡
但这又是个败笔，原词意思本来就是耐不得寂寞拘束，现在好了，一下子“不思凡”了，完全与下文“无奈本性自由惯”自相矛盾。如果非要改，未若改成“不隐深山不超凡”。
况且，即便是“自观”改成了“释然”，这二字在歌曲中依然表达的是面对自我内心的忠实，面对繁杂世事的谅解，卸下重负的自在，面对一杯粗茶的微笑。所以这首歌的副歌，重要的不在于激昂，而在于唱得随意，唱得自在，甚至应该有几分“凤歌笑孔丘”的放浪形骸的张狂。
另一方面，既然舍离断通达的是释然，既然舍去、出离、斩断的都不过是浮云尘埃，何妨含笑一掷？所以舍离断三字，更应该唱得轻盈。或者如果做得更好些，两次主歌的处理，要有苦寻——彻悟下不同心态的微妙转变。
但苏诗丁的处理完全反其道而行之。两次“换得舍离断”都刻意使用了忧伤的情绪来表达，而最后为了营造高潮，苏大师又发功便声，那些“释然”唱得无不雄浑豪迈，又一种要向全世界宣布已经把鱼塘承包下来的沾沾自喜之情。
于是，这首《舍离断》虽然更高品质的把中国风呈现了出来，但灵魂上“舍离断”这三个字，却全然的丢失了。苏诗丁像模像样的拿捏好了许多韵味十足的咬字和唱腔，精神上却始终和歌曲貌合神离。她在低吟浅唱时面带妩媚的笑容，几乎让人想起了黄龄的《痒》；前一秒还在媚笑，后一秒唱“舍离断”三字又无脑的一脸悲戚，仿佛整个歌曲只有当下这一句。而全曲本身应该有的潇洒、解脱、自由的精气神，却一丝一毫没有表达出来。不论是从肢体、表情还是演唱。完整的作品再次破碎成一个个执行良好的细节的残骸。
苏诗丁曾给我们这样的印象，她的舞台表现能力很强大，但几场看下来，这看似强大的舞台表达能力，永远只是停留在浅表，停留在只言片语。相对《来过我生命的你》歌曲本身停留在“制服诱惑”的层面，《舍离断》这样一首优秀的歌曲，被生生演绎成了“制服诱惑”，岂不更令人惋惜？
张韶涵作为一个明星，她的一举一动、一颦一笑，每一首歌，都是和她个人的性格、魅力挂钩在一起的，也即是说，即便是对张韶涵不甚了解的路人，也会在一首首歌、一次次主持中渐渐熟悉、喜爱这个眨巴着大眼睛古灵精怪的邻家女孩，又让我们惊喜，这个女孩子还会这！还会那！啧啧不得了。虽然她的拉丁风情称不上热情和性感，虽然她的中国风也完全搭不上风雅和正宗，但人们对已经产生亲切感的熟人，要求总不是那么高。
相比之下，苏诗丁就显得是一个空壳。她在现实生活中或许会是一个很有魅力的人，但在舞台之上，在一味求大、求雅的诉求里，在过于注重技巧使用、声音质量而忽略个性张扬的误区里，她自己的形象越来越模糊，以至于成为了最可有可无的那个人。
编配设计如此精致《舍离断》，一则被张韶涵抢了先机，二则苏诗丁的硬伤，最终效果，和《来过我生命的你》伯仲之间，也是可叹。

汪峰《Mr. Man》 华晨宇《孩子》
最好的总要留到最后，本场最让我心潮澎湃的两首歌曲，都是摇滚。
一个是男人，一个是孩子。
其实每次我给汪夫子好评，总会有人在下面阴阳怪气的评论，ktv水平啊，唱得还不如我啊blablabla。
是的，汪峰的嗓子和方法都不算太好，又是漏气，又是高位置硬顶。但正如我从前乐评说的，艺术不是体育，效率从来不是它的重点。
就好像大醉后的怀素，拿起一支写秃了的笔，大字如斗，不拘章法，依然“怳怳如闻神鬼惊，时时只见龙蛇走”
就好像穷困时买不起松节油的莫奈，用一块块无法融合的颜色拼缀出最动人的画面
就好像布列松并没有今天“刀锐奶化”的镜头，一样能把真正的人文精神定格在方寸黑白之间。
那么汪峰早已使用透支的嗓子和他没有正确训练的演唱体系，便丝毫无涉他每次拨动灵魂的音乐表达。也正是他这样力不从心、无复当年的破碎的唱腔，才每每产生让每个蹚过时光长沼的人都心有戚戚的感触。
和之前的《下坠》一样，《Mr. Man》还是五把吉他齐上阵，还是通过不断发展，把一个人的摇滚变成一群人的摇滚，变成全场的摇滚。但这首《Mr. Man》显然有着更强烈的律动，并依靠着这个律动不断的增强，成为了整首歌的脊柱，最终把所有人都调动起来。
这首歌编曲设计基本和满江在《中国好歌曲》复赛的版本一致，由内心的独白，渐渐奔跑，渐渐盛大，渐渐容下天地。
如果非要比较不同，满江的版本，是一个归来式的版本，更年轻的版本。沧桑增添了睿智，伤痕结痂成坚强，梦想未曾更改，恬静而有力量，后半段有一个明显的提速，仿佛从暂时的休息中积蓄了力量，重新开始奔跑起来。
但是汪峰是一个未曾休息的版本，从一开始就在疲惫中，在摇晃中，在喧嚣中，依偎着自己的心火取暖，只要还有一丝余烬，还有一声噼啵，就一定能燃烧成熊熊的火把，照亮前面的路。听汪峰版，仿佛可以看到一副不复血肉充盈、干瘦而坚硬的筋骨，虽没有了奔跑的力量，内心却依然盛大，甚至有一种无所畏惧的坚定和至死方休的狠劲。
这便是一个老男人内心的山呼海啸。
相较之下，《孩子》，无疑是更自我的，更柔弱的，但其实也是更生动更原始的。
西楼，《孩子》的原唱。作为《烟火里的尘埃》的作曲，西楼的歌怎么听都是华晨宇的，甚至唱腔上都有许多相似之处。有的时候，让人分不清，是西楼的风格影响了华晨宇，还是两个人的风格本就暗合从而惺惺相惜越走越近。
但华晨宇的唱毕竟强大太多，相比于西楼低至G2的压抑呢喃、简约的电子化编曲，华晨宇的版本比原曲足足拔高了5Key，着力于在高音区的爆发。
一开嗓，便是华晨宇标志性的漂浮感。这种漂浮感来自于旋律特质，更来自唱腔。
华晨宇唱歌，因为风格的关系，很少有太强烈的强弱声的使用，但他声音的丰富听感，来自于他的共鸣。你可以听到不断调整的打开程度、口腔形状、变幻不定的共鸣腔体的配合，产生一种自带混响的感觉，甚至有时会让人想起混声近乎于妖的常石磊。
正是在这样不安定的空旷中，华晨宇的声音展开了一幅又一幅的画面。有些，就好像珍藏在记忆里的，默片般的慢放镜头，散发着一种被遗弃般的寂寞感；它们和现实中惨淡的画面交叠着，纠缠着。这首题为孩子的歌，实际唱的是我们每天的生活，从我们生活的潦草、混乱、荒诞中，回望心中那个孩子的身影。他折射了我们每个人面具之下的脆弱和无助。
随着C5高音的爆发，歌曲进入到摇滚乐的伴奏阶段，和声中混入了烟火里的尘埃的间奏旋律，华晨宇发出“走了吗？回了呀！”的呼喊——当我听到这一段的时候，心中是有几分悚然的，因为它太像招魂了。
我们每个人都知道，我们越是内心饥渴无比、呼喊着想要得到的东西，越是常常在现实面前被压抑下去的东西；自怜自艾，不若诚实的面对自己。问问自己，问问默片里的那个孩子，要的到底是什么，真的要那么多么？
但是更多的时候，我们时不时以身不由己为借口，逃避思考这些问题，闭上眼睛不去看那些汩汩流逝、渐渐走远的东西。于是，魂归来兮，呼喊又有何用？
于是在这声声呼唤中，高达G5的头声共鸣，飘飞上天，那种让人立刻想到了苏轼的诗句：
“缺月挂疏桐，漏断人初静。谁见幽人独往来，缥缈孤鸿影。”
在歌手舞台上成功抢戏n次之后，第一次，胡维纳的声音被华晨宇的空寂完全包围，一男一女两条最纯净的声线交织在一起，天地都随之宁静。于是，这到底是用来祭奠心中的孩子的一阙挽歌，还是一幕温暖的寻回，也许正如华晨宇所说，每个人都有自己的画面，每个人都有自己的答案吧。
自此，华晨宇在一首歌为我们展现了两个半八度的疯狂跨越，而当他完成这样的跨越的时候，我们的并没有感觉听到了非凡的歌唱技巧，而是内心被狠狠的揉了一下。
这不是艺术 还能是什么呢？
我不认同邓柯说alternative是华晨宇“早期的”内敛敏感的音乐形态。不论是多么气场强大的硬摇和说唱，alternative的气质一直是华晨宇音乐的基石和内核。正如《齐天》的双面，都是他音乐特质的表里。只有从《孩子》这样的歌切入，才能真正理解华晨宇，没有那一颗柔软的漂浮着的心，再爆裂的嘶吼、再喷薄的能量都只是电焊火花，毫无生命。
其实，“心中那个没有人知道的地方”住着的，何尝不是要从时光里拼命抢下的，用整个生命、一层又一层厚茧去保护的那个孩子；那张“不认输的脸庞“，何尝不会在累了呀的内心呼喊中，长出几道沧桑，数数口袋里的梦想，喂自己几口鸡汤；车厢持续摇晃，打翻了那么多人的不安，对面的空座位才会人来人往；当内心总是悬着着“走了吗”的惶惑，一个男人才会有“输掉的某些可能
那并不是全部 你拥有的哪怕瞬间 也是上天的礼物”的感悟。
是的，或许，只有这样柔弱的孩子，才会成长成这样强悍的Mr. Man吧。

心中前三 华晨宇 KZ 汪峰