人们普遍接受把音乐当作声音在时间安排上的艺术。而吉他作为展现这种艺术的绝妙乐器，有它独特的表现力，为了了解吉他这种乐器的声音特性，并掌握发挥其表现力的方法，我们投入了大量的时间和精力，而常常疏忽思考在解决我们自身局限性的同时如何与音乐本身的美学价值相平衡的问题。
关键词： 音乐理解  欣赏 关联性 呼吸 放松
从功能意义上讲，音乐和其他类型的艺术形式（如诗词，绘画等）一样是表达人类情感的方式。细致说来就是对音量的把握，速度的控制，音色对比的安排这三方面体现了演奏者对作品所要表达的情感的理解。而作品本身的旋律走向，节奏类型的预设以及装饰音设置等等方面都是作曲家本人对作品的美学价值的构建。对于演奏者，首先应该能去解读这种美学价值，然后又要有能力去再现它。观念先于表达，理解先于行动。当我们站到更高的位置审视我们的演奏时，会有更多的收获。
一、音乐的理解与感受
我们都能认识到演奏中音乐性的重要性，所有的吉他教师和演奏家都呼吁演奏者应该在演奏中注意音乐感染力的问题。笔者在多年的教学经历中发现，如果仅仅是告诫学生这些，甚至通过示范演奏，学生并不能真正把握所谓的音乐感染力是什么。他们自己的演奏和老师的一对比，感觉上能判别出老师的更好听更动人，但是对音乐美学价值的认知不应只是停留在“悦耳”这种层面上，也不是教师刻板地提供一个音乐感染力的模版让学生教条式地去临摹。教师作为引导者应该是带领学生进入音乐的殿堂，让学生凭借自己的内心去感受音乐。教师自己本人对音乐的理解学生自然会借鉴也会模仿，这是学生形成自己演奏风格之前的必经之路。笔者认为培养对音乐作品的领悟能力应该从两个方面同时入手进行：
1、 多听不同演奏者对同一作品的演绎。
我们很容易发现不同的演奏家对同一首乐曲在音量，速度，音色这三方面的表现并不一致，这就是不同人对音乐感受细微差别导致。作为演奏者他所预设的目标是想通过自己的演奏能向听众传达自身对音乐的理解（不管这种理解是潜意识下的理解还是理性层次的理解），笔者认为一个想从别人身上学习到什么的吉他练习者，应该努力从别人的演奏中洞察出演奏的意图，应该让自己能平静下心去了解演奏者在音量、速度和音色三方面下的功夫，不要使用类似“好不好听”这样粗粒化的评论去总结别人的演奏。找出别人的演奏优点要比挑出别人的失误更难得，更有利于自身的成长，因为这个过程中，无意中已经经历了一次对音乐感受能力的培养。
2、 多方位多层面地感受音乐氛围。
很多弹吉他的人都是通过吉他这种乐器来接触古典音乐的，而后他们当中大部分人演变成只欣赏关于古典吉他的古典音乐，这无形中限制了自身了解音乐本身的各种有用途径。笔者认为平时多聆听小提琴，钢琴等其他乐器的作品有助于培养对吉他音色美感的敏锐。并且接触交响曲，各种协奏曲等等能让我们更了解古典音乐的内涵和形式。这些对锻造我们自身的音乐理解能力是最为直接和有益的。前面提到音乐的美学价值在于传递人类的情感，我们参考世界上不同的音乐家他们自己的成长经历，会发现基于对音乐的这种认识我们需要做的还有很多。十年前，小提琴演奏家穆特到中央音乐学院，有人问到如何很好地表现巴洛克的音乐风格时，她说为了对那个时期的音乐风格能有了解，她常常放下琴，去阅读那个时代的文学作品，去观看那个时代的建筑物，从中获取演绎巴洛克风格作品的灵感。我们再来看看克劳迪奥•阿劳（李斯特的学生克劳泽的弟子）的话：“当我教课时，我不但努力去唤醒年轻艺术家的音乐才能，还要同时反复灌输给他整个文化个性的重要性——读书、戏剧、歌剧、研究艺术以及古典文学。甚至研究心理学。”
许多杰出的演奏家都在提醒我们要注意艺术中的关联性，而不是孤立地操练乐器就能演奏好它。只有沉浸其中，多方位感受，才能更好地洞察和了解作品蕴含的意义和情感。